Objetivo: representar a la misma modelo,  Eniko Mihalik ,en diferentes etapas de su vida.

Como: Mediante la magia del maquillaje deLisa Butler, a mi opinión lo que hizo fue espectacular) y de la fotografía, Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin.

Conclusión: una maravilla, el discurso de la moda abarcando más que lo tradicional y convirtiendose en una obra de arte, pulida tanto sintáctica como semánticamente. Polifonía, podríamos decir. Ya vemos por que la pérdida de Carine Roitfeld fue un golpe duro para Vogue.

REDISEÑO DE PRENDAS VINTAGE: Se arreglan y rediseñan elementos de verdaderas joyas de tiendas de segunda mano. Estas son elegidas con sumo cuidado enfatizando en la condición de las prendas y la calidad de las mismas.

CREACIÓN DE PRENDAS ORIGINALES: Se diseñan y crean prendas, pensadas para el clima y el ambiente costarricense buscando que estos tengas precios asequibles y nunca superando las tres prendas con la misma tela.

CREACIÓN DE ACCESORRIOS: Se diseñan y confeccionan accesorios originales y únicos, cada uno se repite una sola vez, buscando medios para reutilizar elementos que serían considerados “basura” de una manera estéticamente agradable.

*CONFECCIÓN Y ARREGLO DE PRENDAS:  en la medida de lo posible las prendas compradas en Litterae Atelier Moda se arreglarán para que queden justamente a la medida. También las prensas creadas, podrán reproducirse en otras telas o a la medida.

Pueden hacerse amigos de la página y comprar a la siguiente dirección http://www.facebook.com/litteraeatelier.moda

Ustedes se preguntarán que hace un cavilación sin mucho sentido en un blog de moda o diseño, la respuesta es simple, al fin de cuentas el diseño, como toda práctica humana, es irremediablemente una práctica social, y muchos aspectos de nuestros sociedades, nuestros imaginarios, están estrechamente relacionados con la manera en la que representamos nuestro alrededor, nuestros paisaje, nuestras ciudades.

Es por eso que mi “capital” (para los visitantes de otros países, yo vivo en Costa Rica) viene a ser y cumplir un importante papel en la visión de mundo de los costarricenses. Así, tan feo, descuidado, abandonado, revuelto, con sus bellos edificios de finales del siglo XIX a la par de lo que queda de otros de ellos y los edificiones nuevos y discordantes, el “diseño” de una ciudad, nos habla de quienen somos, y el rescate, nos hablaría de lo que nos estamos salvando.

Pd: la foto, lo reto a adivinar el lugar exacto de San José donde se encuentra esta placa, esta foto fue tomada además, por Julián Astorga.

Hace algunos años en algún rincón olvidado donde a algunos especuladores se aprovechaban de una vía de paso, de una gran civilización a otra, se montó una cuidad, en latitudes donde parece que nunca va a terminar de llover o caso contrario, el sol tuesta todo, hasta los pensamientosde la gente.

Y no solo se alegraron con crearlo, establecieron unos edificios, los más pretenciosos que sus billeteras cafetaleras pudieran crear, un teatro donde solo entraba un porcentaje de la población, pero vaya que era maravilloso. Un colegio para las señoritas decentes, un colegio para los muchachos decentes, un correo enorme y atiborrado de decorados y un club para reunirse a hablar del café. Era una ciudad, una ciudad letrada como todas las latinoamericanas al fin y al cabo. El tiempo de la civilización había llegado.

Ese país se continuó recreado y revolcando en sus propias ilusiones, un país sin ejercito, con inversión en educación y salud y una vida perfecta, casi tanto como la de una familia gringa de los años 50′s y bla y bla y bla y bla.

Ciudad bonita sí, eso debió ser San José alguna vez. Basta ver las fachadas resquebrajandose poco a poco al paso del tiempo , albergando turistas con cara de desubicados, otros con cara de pervertidos. Gente corriendo a su casa, gente corriendo al trabajo. Gente vendiendo tiliches. Museos desolados, galerías y cafés olvidados. Donde es imposible conseguir un buen lugar para leer un domingo, para pasar en familia un día sin que ello implique papitas fritas a 550 col. o hamburguesitas de 1000.

¿Y la gente? Bueno, los “creadores” cometieron el peor error posible, educar sin historia, sin conciencia de quien se es y por que se es. No me refiero a la mucha gente, si no a “la” gente, los hijos de esa gente que construyó esa cuidad y que en los años 70 la sentenció al olvido, al desprecio y a destruirla a pedazos. Como ratitas en una jaula, con ventanales y locales, cafés de mentiras, restaurantes de mentiras, cines de mentiras. En un mall.

Y ahora alarmados todos, que la inseguridad, que la suciedad, que el tránsito. Pero es nuestra culpa, de nosotros y nuestra falta de historia. Por que Costa Rica es el país de los simulacros, el país que se vive y se aborda en un carro (o presa) y en un mall. Así tan light.

Tan Kitsch.

Les presento acá su última colección A/W 10-11, pueden visitar su página principal para más información o comprarlas (adivinarón, son caras y solo se venden en Europa) aquí o aquí

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Estos hechos se dieron años atrás, cuando a estos accesorios se les llamaba calzas aún, eran todo un elementos esencial de la vestimenta medieval, y de uso tanto masculino como femenino al igual que con las corbatas estas cambiaban de color según el cargo en la sociedad, las de las nobleza, la iglesia, los militares…

Sin embargo estas pasaron a ser exclusivas de la mujer a partir de la revolución francesa (cuando los hombres adoptan los pantalones) y quedaron relegadas a estar ocultas bajo el largo de las faldas. Esto no cambió mucho por más de un siglo hasta que en siglo XX surgen dos inventos “revolucionarios”:

1 – El nylon: Durante la década de los 30, Wallace Hume Carothers y Julian Hill, ambos de la compañía Dupont estudiaron cadenas de moléculas llamadas polímeros con el objetivo de encontrar un material que sustituyera a la seda. Así descubrieron que la mezcla de carbón y moléculas de alcohol a altas temperaturas generaban un tejido de consistencia elástica. Además  si este tejido se dejaba en temperatura ambiente adoptaba una textura sedosa.

Este material fue utilizado en cuerda de pescar, accesorios de cirugía, las cerdas de los cepillos de dientes, paracaídas, el “tornado” que se lleva a Dorothy en  The Wizard of Oz y como sustituto de la seda de las medias femeninas. El resultado, un completo éxito, el 15 de mayo de 1940, cuando se comenzaron a vender las primeras medias de nylon en Estados Unidos, se vendieron cuatro millones de pares en cuatro días.

Como algunos sabrán este auge se detuvo bruscamente en la Segunda Guerra mundial ya que el nylon debió ser utilizado para armamento y accesorios militares y la escasez de medias causó protestas por parte de miles de mujeres.

2- Panty hose: A pesar de la llegada del Nylon, las medias se acompañaban de el ligero y la faja, las cuales podrían llegar a ser en conjunto muy incómodas, por lo cual en 1953 la entonces embarazada Ethel Boone le comentó a su esposa Allen Gant Sr. las incomodidades de estas prendas, más aún estando embarazada. Ambos tuvieron la idea de unir estar tres piezas para hacerlas más utilitarias, las primeras las cosió Boone a mano, y resultaron tan bien que Gant Sr. llevó el diseño a su empresa, Glen Raven Mills, en 1959 al fin lograron perfeccionarlas y salieron al mercado las primeras panti-legs.

Esta creación como tal fue la base para el uso de la minifalda en los años 60 y sigue aún en vigencia. Esta fue una entrada rápida sobre las pantys -o pantis según la RAE- y poco a poco iré agregando más detalles sobre este artículo, los comentarios o sugerencias, como saben, son bienvenidos.

*Foto principal: La Toilette (1742) Óleo sobre lienzo. 52,2 x 66,5 cm. Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid. Autor: François Boucher.

Esa es la entrada flash del día, espero les haya interesado, si desean opinar recuerden que los comentarios son bien recibidos ^^

Sin embargo, hay un elemento, principalmente decorativo y simbólico de la ropa masculina, y digo uno ya que sus variaciones parten de una base común. Me refiero a las corbatas y por ende los corbatines.

Antecedentes: Se conocen dos momentos y contextos en la historia en los cuales se utilizó algo “similar” a la corbata, el primero de ellos es un accesorio de la indumentaria militar usado por la armada imperial de Huang-Ti, quien unificó el imperio chino alrededor del siglo III a.c.

Además, en la Roma de Augusto se utilizaba dejado de la ropa una tela arrollada al cuello llamada focale, este era utilizado por militares, mujeres, personas enfermas u oradores con el objetivo de proteger sus cuerdas vocales.

De Croacia: Sin embargo a pesar de estos elementos similares, es en siglo XVII -específicamente en 1636- cuando un regimiento de caballería Croata llegó a Francia, como parte de las tropas mercenarias que formarían parte de la guerra de los 30 años que aparece ese trozo de tela, seda o muselina, arrollado al cuello y cuyas extremidades terminaban en un moño. El termino corbata proviene del francés cravate, adaptación a su vez de la palabra croata hrvat ya que los franceses no tardaron en adaptar y reproducir de diversas maneras este elemento, agregandole broches, encajes, nudos, simplificandolo o exagerandolo.

Por ejemplo, en el siglo XVIII, durante el auge del estilo Rococó era común que las corbatas fueron confeccionadas de encaje o con partes de este como método para demostrar poder -el encaje era hecho a mano y bastante costoso- . Como ejemplo de esto se pueden observar las pinturas de Luis XV, y como se puede suponer entre más grandes y más elaboradas fueran estas, eran símbolo de un mayor poder.  Se dan además simbologías cromáticas, azul como símbolo de nobleza y amarillo como símbolo de poder

Este tipo de corbatas estaban casi reservadas para la aristocracia, en los muy contrastantes tiempos de la revolución francesa se utilizaban en cambio como elemento político, el revolucionario usaba una corbata negra, mientras que el contra-revolucinario la utilizaba blanca. Se dice incluso que el día que Napoleón decidió cambiar el color de su corbata fue el 18 de junio de 1815, día de la batalla de Waterloo y fin del imperio Napoleónico.

Aparecen en el siglo XIX, diferentes estilos de corbatas como los gigantes incroyales, los cualers  escondían incluso la barbilla y en ocasiones el labio inferior del que lo utilizara, fue famoso por utilizar este estilo Lord Brummell quien necesitaba la ayuda de dos hombres para anudar su corbata. Aparecen otros estillos más sencillos, más decorativos pero menos utilitarios como el lavallière, un predecesor del corbatín, que fue característico de poetas y artistas.  En este siglo aparecieron otros estilos, condicionados por la disminución de los cuellos de las camisas como el nudo, la galla (o papillón -el actual corbatín o pajarita-) y el plastron. A mediados del siglo XIX se dan dos situaciones importantes con respecto a este accesorio. En primer lugar para algunos hombres, el color de la corbata continuaba teniendo un matiz político, roja para los revolucionarios, negra la de los anárquistas y amarilla para los clericales. En segundo lugar, aparece el L’Art De Se Mettre La Cravatte, atribuido a Honoré de Balzac dónde se describián 22 maneras distintas de anudar una corbata, entre ellas el nudo mariposa el windsor, etc.

Sin embargo, la corbata tal y como la conocemos surge en 1924 cuando Jesse Langsford un artesano neoyorquino para evitar las arrugas en las corbatas de la época resolvió cortar la tela en ángulo de 45 grados  dividiéndola, además en tres piezas, que luego se unen mediante cosido a mano. Se populariza por lo tanto esta para eventos formales y de negocios y el corbatín se generaliza para su uso en fiestas y cócteles. En la actualidad las corbatas son elementos de moda propios de las pasarelas de diseñadores de la talla de Lanvin y Jean Paul Gaultier, aunque  se conservan tres estilos de la cantidad surgidos, el más común es la corbata común, en segundo lugar los corbatines -que han tenido últimamente un “regreso” junto con el auge del vintage- y para algunos diseñadores el foulard o pañuelo-corbata al más puro estilo dandy.

Bueno, esa ha sido una breve reseña sobre la historia de uno de los principales accesorios masculinos, la información así como muchas imágenes la encontré en este link y lo demás-aunque ustedes no lo crean- salió de una revista “ideas para su hogar” de mi madre del año 1976. La foto principal es de el mítico Clark Gable utilizando un foulard.

Se trata del traje realizado por Yuliya Kyrpo a partir de papel de periódicos de metro, aunque en es realidad una variación de un Senbazuru, en otras palabras “Mil Grullas de papel”  como manera más de recordar a Sadako Sasaki, como se acostumbra hacer cada 6 de agosto en todo el mundo.

El vestido no solo me parece bellisímo, sino además muy trabajado, reciclado (y reciclable) y con un contenido semántico extraordinario. Agrego acá la historia de Sadako Sasaki, por si les interesa.

Y acá un diagrama que explica como hacer una grulla de papel.

¿Quién fue Sadako Sasaki?

Sadako Sasaki fue una de las niñas que no murió el día de la explosión de la bomba atómica en Hiroshima, sin embargo poco después, a los 11 años enfermó de mucha gravedad poco después, sufrió una leucemia.
Cuando supo que estaba enferma, una amiga suya intentó animarla y le contó la tradición de las 1000 grullas de papel, esta consistía en que la persona que consiguiera doblar mil grullas se le concedería un deseo en retribución por su constancia y disciplina.
Su amiga hizo una grulla de origami y se la dio a Sadako.Siendo esta la primera en función de lograr su deseo:  curarse de su enfermedad.
Sadako empezó a doblar grullas, una tras otra, intentando conseguir su deseo de curarse mágicamente, pero por desgracia, no lo logró. Murió en 1955 con 644 grullas revoloteando a su alrededor. Sin embargo, se ha convertido esta en una forma simbólica de recordar los efectos de la bomba atómica y cada año son enviadas a Japón miles de grullas de papel de distintas partes del mundo.

Melvin Sokolsky es un fotógrafo y cineasta nacido en Nueva York en 1933, al contrario de lo que muchos pensarían no es un fotógrafo de “academia” sino que aprendió a partir de la observación y la experimentación desde los 10 años, utilizando en ese momento la cámara de su padre.

Con tan sólo 21 años de edad, fue contratado por Henry Wolf, el director de arte de la revista Harper’s Bazaar como fotógrafo de modas, donde en 1963 realizaría una  series más importantes  titulada ¨Bubbles¨, en la que la modelo Simone d’Aillencourt posa en algunos lugares de París vestida con diseños de alta costura y aislada en una bola de plexiglás.

Sus fotos se distinguen por crear atmósferas creativas y casi-oníricas (algunos la llamarían “surrealistas”) , en la cual la fotografía trasciende su papel como elemento para mostrar la moda y se convierte en una obra artística. Sokolsky realizó además fotografías para muchos artistas y estrellas, por ejemplo las fotos de la famosisíma Twiggy, en la que posaba siendo perseguida por miles de fanáticos que utilizaban máscaras con su rostro.

Las fotos que muestro acá son las de su serie “Bubbles”, pueden accesar a más información en su página oficial o a muchas de sus fotos en este enlace.